Aposentadoria de Hayao Miyazaki: quem sucederá ao mestre da animação japonesa?
Embora seu último longa-metragem, kaze tachinu (O vento pega) deve chegar às nossas telas no início do próximo ano, Hayao Miyazaki anunciou sua aposentadoria em 1er em setembro passado. Uma notícia devastadora, transmitida pelo presidente do Studio Ghibli, Koji Hoshino, durante conferência de imprensa no Festival de Cinema de Veneza. A oportunidade de se interessar por uma das serpentes marinhas da crítica internacional: a sucessão artística e económica de uma das maiores figuras da cinema japonês.
Quem substituirá Hayao Miyazaki? Esta questão tem fascinado multidões, no Japão e noutros lugares, há mais de 15 anos e o anúncio da sua primeira reforma em 1997. Rebelote em 2001, com, cada vez, um regresso aos negócios algum tempo depois em circunstâncias muito específicas (teremos a oportunidade de voltar a isso). Então vamos nos livrar rapidamente do assunto: desta vez, é o certo? Mesmo seus colegas mais próximos não podem deixar de duvidar disso.
Um diretor todo-poderoso em sua terra
Durante a apresentação de seu novo filme, Kaguya-hime no Monogatari, Isao Takahata, cofundador do Studio Ghibli, declarou: “ Ele me disse que desta vez estava falando muito sério, mas há uma chance de que isso possa mudar. Eu o conheço há muito tempo. Não fique muito surpreso se isso acontecer. »
Miyazaki já trouxe de volta o aquecimento azul, trabalhando em um novo manga de samurais ambientados no período Sengoku. É quase certo que ele também continuará a fazer curtas-metragens para o Museu Ghibli, como faz há anos. Mas admitamos que o mestre se afaste definitivamente. Por que diabos você está procurando um sucessor agora quando o cara ainda está longe de ter um pé na cova? Isso porque no Japão Hayao Miyazaki não é qualquer um. Ele é, até o momento, o único diretor de animação que alcançou tal nível de sucesso, em todos os níveis.
Artisticamente, ele tem total controle sobre seus filmes; nenhuma restrição externa pode ser imposta a ele. Todos os seus longas-metragens foram um enorme sucesso de público: ele dominou duas vezes as bilheterias japonesas de todos os tempos com Mononoke hime (Princesa Mononoke) em 1997 e Sen para Chihiro no Kamikakushi (A Jornada de Chihiro) em 2001. Chihiro ainda é o número um neste ranking, com mais de 23,5 milhões de admissões e lucros superiores a US$ 300 milhões.
Deixe a competição chamar Harry Potter, Titânico ou Avatar, ela deve desistir sistematicamente quando Miyazaki lança um filme. Sua última conquista, kaze tachinu, lançado em julho, já arrecadou quase US$ 120 milhões em receitas e liderou as bilheterias nacionais em 2013. O sucesso de Miyazaki também é crítico com vários prêmios, incluindo um Oscar e um Urso de Ouro em Berlim por Chihiro.
Ele é o único diretor de animação japonês conhecido internacionalmente e ninguém parece ter estatura para substituí-lo em seu próprio país. Porque além de seus sucessos, Miyazaki é um verdadeiro workaholic, que ocupou todos os cargos possíveis durante sua carreira. Começando na base da escala como intervalista na Toei na década de 1960, ele rapidamente ganhou destaque ao mostrar iniciativa e ser proativo. Se tivesse tempo, poderia cuidar sozinho de toda a parte visual de um desenho animado, desde a criação do personagem até a animação e o storyboard. Portanto, sobre suas conquistas ele é onipresente e controla absolutamente tudo. Em suma, um gênio aliado a um tirano, muitas vezes odiado por sua equipe durante a produção.
Sua aura é tal que, se nos limitarmos às bilheterias dos filmes de animação japoneses, o Studio Ghibli é o único que consegue colocar suas conquistas no topo da lista, ao lado de grandes franquias como Pokemon ou Uma pedaço, mesmo quando Miyazaki não está no comando.
A retirada de Miyazaki criaria, portanto, um vácuo significativo e todos estão a trabalhar arduamente para encontrar herdeiros capazes de ocupar um trono que pode ser demasiado imponente para eles. Para encontrar potenciais candidatos, podemos naturalmente começar olhando diretamente para o Studio Ghibli.
Yoshifumi Kondô, o jovem sacrificado
E como falar dessa sucessão sem olhar para o destino trágico de Yoshifumi Kondô? Nascido em 1950, este talentoso animador rapidamente conviveu com Miyazaki e Takahata em várias séries de sucesso da década de 1970, como Lupin III, Mirai Shounen Conan ou Sherlock Holmes.
Os dois acabaram convencendo-o a ingressar no Studio Ghibli em 1987. Trabalhador inveterado, Kondô soube se mostrar indispensável e oficializou todas as produções da dupla de fundadores, por sua vez como animador-chave, animador-chefe e designer de personagens. Em 1995 foi-lhe confiada a direção de seu primeiro longa-metragem Mimi e Sumaseba (Se você ouvir). Sob a supervisão de Miyazaki, Kondô entrega um filme sensível, pessoal e inspirado. Consegue aliar a imaginação e a fantasia próprias do Estúdio a um enquadramento mais contemporâneo, ancorado na realidade.
Os dois patriarcas estão convencidos disso: têm ali o seu sucessor, chamado a assumir quando se aposentarem do mundo da animação. Com ele, a instituição Ghibli estaria em boas mãos. Kondô volta a ser animador-chefe em Mononoke hime em 1997 e Miyazaki, confiante, anunciou sua (primeira) aposentadoria após o sucesso histórico de seu último filme. Mas tudo desabou alguns meses depois. Em 21 de janeiro de 1998, Yoshifumi Kondô morreu de aneurisma, provavelmente devido ao excesso de trabalho. Hayao “Napoleon” Miyazaki acaba de perder sua aguiazinha. Devastado com o desaparecimento, o patrão cancela a aposentadoria e volta ao trabalho, prometendo aliviar a pressão e trabalhar menos.
A partir desse momento, Miyazaki e Takahata, acompanhados pelo emblemático produtor do Estúdio, Toshio Suzuki, começaram a procurar activamente realizadores que os pudessem substituir periodicamente.
Gôro, o filho que Miyazaki se recusou a ver ao seu lado
Chega então, pela porta dos fundos, Gorô Miyazaki, filho do senhor e herdeiro legal, talvez não conseguindo ser legítimo. E o relacionamento deles não se parece em nada com um conto de fadas. Hayao Miyazaki é um pai ausente, obcecado por seu trabalho, e seu sucesso crescente é um verdadeiro peso sobre os ombros de seus filhos. Atraído na juventude pela carreira de animação, decidiu finalmente estudar paisagismo para evitar comparações com o ilustre pai.
Mas em 1998 tudo mudou. Enquanto Miyazaki Sr. trabalha A Jornada de Chihiro, o Estúdio pretende criar um museu em Mitaka, nos subúrbios de Tóquio, para oferecer exposições, curtas-metragens... e colocar dinheiro nos cofres. Suzuki apresenta o projeto a Gorô que supervisionará a construção do prédio e a disposição do jardim. Ele até se tornou diretor de operações do museu.
Nos anos seguintes o produtor convidou-o a participar em reuniões sobre a adaptação então paralisada de um romance de Ursula K. Le Guin O Feiticeiro de Terramar. Fã do livro, Gorô aceita e começa a propor ideias e esboços. Toshio Suzuki cheirou bastante e ofereceu-lhe a direção do filme que mais tarde se chamaria Gedo Senki (Contos de Terramar). O filho pode finalmente abraçar seu sonho de infância. Para grande consternação de seu pai que se opõe veementemente a essa ideia, julgando Gorô muito imaturo e inexperiente para realizar tal empreendimento. Enormes tensões são criadas e os dois pais não se falarão mais durante a produção, aproximadamente 9 meses.
Na estreia interna do filme em 2006, Hayao Miyazaki esteve presente, contra todas as expectativas. Mas é melhor sair da sala depois de uma hora de exibição. E o julgamento do pai sobre o longa-metragem do filho é intransigente: “ Tive a impressão de que já estava há 3 horas sentado… […] acho que ele trabalhou muito sério e foi isso. Não há outras coisas a acrescentar. Pessoalmente, acho que foi um trabalho que não valia a pena fazer. »Ele até escreveu uma carta para Gorô escrevendo para ele" Você era digno de si mesmo "...
O filme fez sucesso de público, mas a crítica foi dura. Gorô ficou guardado no armário por quase 4 anos. Em 2010, após vários conceitos rejeitados, acabou recuperando um projeto antigo do pai, Kokuriko Zaka Kara (A colina da papoula), baseado no mangá homônimo, publicado na década de 1980. Suzuki interpreta o mediador e pede a Hayao Miyazaki para escrever o roteiro. A colaboração é tempestuosa: se o mestre parece aceitar gradualmente que seu filho se torne diretor, a visão do filme diverge.
Concluída em 2011 num contexto económico e social incerto, devido nomeadamente às catástrofes naturais e nucleares de Março, A colina da papoula obteve grande sucesso. O trabalho de Gorô é certamente acadêmico, mas não carece de charme. O filho se instala permanentemente no estábulo Ghibli. Seu terceiro filme já estaria nas prateleiras em 2014-15. Mas é difícil para ele se livrar da imagem de filhinho do papai impulsionado e, acima de tudo, difícil pensar que Hayao Miyazaki o considere seu sucessor.
« Maro » Yonebayashi, a turma de garrafas do Studio Ghibli responsável
Porque o mestre já está de olho em outra pessoa, na pessoa de Hiromasa Yonebayashi. Puro produto do Studio Ghibli, o jovem, apelidado de “ Maro » por seus colegas começou como intervalista em Mononoke-hime antes de subir na classificação pouco a pouco. Animador talentoso, ele se revela completamente durante a produção de Gake no Ue no Ponyo (Ponyo no penhasco) onde lhe devemos a famosa e soberba cena das ondas.
Entusiasmado, Miyazaki confiou-lhe a direção do Kari-gurashi no Arietti (Arrietty, O Pequeno Mundo dos Ladrões). Yonebayashi se torna o diretor mais jovem da história do estúdio e impressiona seus colaboradores durante a produção. Seu senso de trabalho e seu auto-sacrifício lembram até mesmo a atitude de Miyazaki, que o apoia totalmente em seu desenvolvimento, ao contrário de seu filho.
Um contraste que explodirá durante a visualização doarrietty onde o mestre teria se levantado, gritando “ Bom trabalho, Maro! ", afirmando mais tarde que ele era" o primeiro diretor nascido e criado no Studio Ghibli ". Assim como Gorô, Yonebayashi já está trabalhando em seu próximo longa-metragem, previsto para o verão de 2014. Segundo vários rumores, seria a sequência de Porco Rosso.
No entanto, podemos legitimamente nos perguntar se esses dois potros realmente têm a constituição necessária para preencher o lugar deixado vago por Miyazaki. Certamente beneficiarão da aura do Studio Ghibli e dos seus fundadores mas nunca adquirirão a mesma notoriedade ou o mesmo sucesso. Seus filmes são sólidos, mas carecem de um verdadeiro extra criativo.
Por outro lado, impulsionados pela Suzuki, integrar-se-ão perfeitamente nos moldes de Ghibli, garantirão a sua sustentabilidade e reabastecerão os cofres esvaziados pelos projectos originais mas muitas vezes pouco rentáveis de Isao Takahata (o seu último filme, em produção durante 8 anos, teria custado, quase 50 milhões de dólares!). Também não está excluído que surja um novo diretor, para surpresa de todos, das equipes do Estúdio, como Yonebayashi. Uma coisa é certa: a saída de Miyazaki não deverá criar um ponto de ruptura dentro da instituição Ghibli durante dois ou três anos, tendo o calendário de lançamento já sido estabelecido. Será então hora de questionar novamente ou mesmo especular sobre um possível retorno do mestre aos negócios para uma obra-prima final.
Makoto Shinkai, falso Miyazaki, mas verdadeiro carro-chefe da animação independente
Mas um aspirante ao trono também pode chegar das fronteiras do reino. E os outros diretores, fora do Studio Ghibli? Aqui, novamente, muitos nomes foram considerados e depois descartados. Um dos que tem surgido regularmente nos últimos anos é o de Makoto Shinkai, principalmente desde seu filme Hoshi ou Ou Kodomo, (Viagem para Agartha), lançado em 2011.
Uma pilhagem completa do universo Ghibli, o longa-metragem busca seu enredo e aspirações gráficas, por sua vez, Nausicaä, Laputa, Chihiro ou Mononoke. O resultado é uma espécie de sub-Miyazaki, não necessariamente indigesto, mas que carece singularmente de personalidade. E, no entanto, Shinkai não falta isso e é uma figura única na animação japonesa atual.
Trabalhando para uma empresa de videogames na década de 1990 o jovem dirigiu um curta-metragem inteiro de 5 minutos em preto e branco Kanojo para Kanojo no Neko (Ela e seu gato). Ao vendê-lo em convenções em CDs gravados, atraiu a atenção de uma editora, que se ofereceu para financiar seu próximo projeto. Desta vez, Shinkai largou o emprego e trabalhou por 7 meses no design doHoshi no Koe (Vozes de uma estrela distante) em seu computador. Este OAV de 25 minutos teve um sucesso inesperado. O público e a crítica ficam impressionados com o trabalho titânico realizado por uma única pessoa, também totalmente autodidata.
Shinkai demonstra que é possível produzir anime de qualidade com equipe extremamente pequena e com custos baixos graças às novas ferramentas de criação digital. Seguidor de totalmente digital, Makoto Shinkai torna-se, um tanto a despeito de si mesmo, o porta-estandarte de uma nova animação independente, à margem dos estúdios tradicionais, abrindo caminho para algumas joias como Eva não Jikan (Hora da véspera). Novos sucessos de estima lhe seguirão com Kumo no Mukô, Yakusoku no Basho (A torre além das nuvens) E Byôsoku Go Senchimêtoru (5 cm por segundo). Seu estilo se torna extremamente reconhecível: visuais muito suaves, cenários retrabalhados a partir de fotos e efeitos de iluminação ultra pronunciados. Shinkai deseja sublimar a realidade, torná-la ainda mais bonita do que é. Seus temas preferidos: relacionamentos, muitas vezes românticos, entre as pessoas e a ideia de carência emocional.
Condenado ao sucesso de nicho?
O resultado são produções que chamam a atenção, muitas vezes atingindo o nível certo de emoções provocadas, mas permanecendo muito convencionais. Shinkai não pretende se tornar o novo Miyazaki, ao contrário do que alguns críticos sugeriram, porque não se destina de forma alguma ao mesmo público. Sua abordagem é muito diferente da universalidade buscada pelos longas-metragens do Studio Ghibli. Acima de tudo, ele quer fazer filmes para pessoas que normalmente não se interessam por animação e que não se sentem envolvidas nela.
Com isso, está condenado a permanecer em determinado nicho e a situação parece lhe convém perfeitamente, pois repete repetidamente que é superestimado e que, dentro de alguns anos, outro diretor poderia ter ficado no mesmo lugar que ele.
Como explicar então o incidente Agartha o que contrasta com o resto de sua filmografia? Munido de um orçamento muito maior do que suas produções anteriores, podemos imaginar que Shinkai temia nunca mais ter tal quantia à sua disposição. Daí uma acumulação por vezes grosseira de ideias numa aventura mais familiar, reunindo múltiplas influências, que por vezes não lhe assemelham. Desde então, o jovem voltou a formatos e histórias que lhe agradam muito mais com Kotonoha no Niwa (O jardim das palavras), lançado em 2013.
Mas mesmo que Shinkai não seja o tão esperado sucessor e que a sua aura nunca ultrapasse certos círculos de fãs muito específicos, ele ainda tem espaço significativo para melhorias. O seu estilo e capacidade de trabalho rápido permitem-lhe experimentar extensivamente, nomeadamente no domínio da comunicação com a produção de diversos anúncios animados de alta qualidade.
Mamoru Hosoda: o experimento abortado em Ghibli
E no momento em que todos estão desesperados para encontrar alguém capaz de extrair Excalibur da rocha, surge Mamoru Hosoda. Nascido em 1967, iniciou sua carreira como animador na Toei após ser rejeitado... no instituto de treinamento Studio Ghibli. Intervalista, apresentador chave, diretor de episódio, o cara toca em todos os cargos.
Hosoda até trabalha sob pseudônimo para outros estúdios, experimentando roteiros e storyboards, principalmente em Utena em 1997. A Toei decidiu confiar a ele a direção do primeiro filme Digimon, Digimon Adventure, uma obra de 20 minutos lançada nos cinemas em 1999 para promover o lançamento da série de TV no ar no dia seguinte. Longe do produto comercial ultracalibrado que se poderia esperar, o filme surpreende. Hosoda estabelece uma narração lenta, que leva tempo para destilar uma atmosfera paradoxal (crianças muito pequenas encontram-se no controle de monstros cada vez mais poderosos e assustadores num cenário de Boléro por Ravel). Os cenários urbanos são absolutamente lindos, a animação está em sintonia e a encenação, perfeitamente adaptada ao cinema, demonstra todo o potencial latente de Hosoda.
Rebelote no ano seguinte com a produção do segundo filme da franquia: Digimon, Bokura no jogo de guerra! (Digimon, nosso jogo de guerra!). Em 40 minutos, o média-metragem prenuncia tudo o que mais tarde fará a força do diretor. Em primeiro lugar, um estilo gráfico eminentemente reconhecível. Hosoda é um seguidor de superplano, um movimento artístico popularizado entre outros por Takashi Murakami (este último também pedirá a Hosoda que colabore em um anúncio impressionante para Louis Vuitton, Monograma Superplano). Este é caracterizado por cores sólidas de um único tom, poucos reflexos e sombras nos personagens, possibilitando realizar movimentos complexos de forma muito simples.
O diretor também oferece, ao mesmo tempo, o esboço de um universo virtual flutuante, repleto de detalhes e ultra colorido, que encontraremos sublimado anos depois em summer Wars, cujo filme Digimon é uma espécie de tela preparatória, pois as semelhanças entre as duas obras são flagrantes. Em termos de temas, Hosoda brinca constantemente com a dualidade dos mundos (real e virtual) e com o símbolo da brincadeira quando somos crianças. Em entrevista concedida em 2010, o diretor explicou: “ Quero desenhar o mundo real, basicamente. E para lhe dar mais importância, oponho-lhe outro mundo. Além disso, para os personagens, retornar de um mundo paralelo os ajuda a aproveitar mais seu próprio mundo. »
Graças a esta segunda obra, Hosoda acaba chamando a atenção de Toshio Suzukiu e Hayao Miyazaki. Este último acaba de se aposentar pela segunda vez após a consagração Chihiro, e o Studio Ghibli está procurando um diretor para seu próximo projeto: Hauru no Ugoku Shiro (O Castelo Móvel do Uivo).
Miyazaki parece se reconhecer em Hosoda devido à sua formação um tanto semelhante como pau para toda obra em animação. Mas o que deveria ter sido uma excelente oportunidade para o jovem realizador transforma-se num cálice envenenado.
Poucos meses depois de ser contratado, Hosoda foi obrigado a deixar o navio, oficialmente devido a disputas artísticas. Hosoda teria sofrido inúmeros confrontos com a equipe de produção, relutante em seguir suas ideias e seu storyboard, que estavam muito longe dos cânones do Estúdio. Anos depois ele teria esta terrível máxima: “ O Studio Ghibli é uma estrutura que foi criada essencialmente para permitir ao Sr. Miyazaki produzir as suas obras e infelizmente não criar outras coisas. »
Miyazaki também será forçado a retornar ao comando às pressas para concluir a produção do longa, mas se recusará a participar da divulgação do filme, ciente do resultado instável entregue. Por sua vez, Mamoru Hosoda pensa que acabou de perder a oportunidade da sua vida...
O início de uma nova dinastia?
Paradoxalmente, este fracasso em Ghibli se tornará um verdadeiro ponto de partida para Hosoda. Recontratado pela Toei (ocorrência extremamente rara), ele cuida de 6e filme Uma pedaço : Barão Omatsuri e a Ilha dos Segredos. Aqui novamente o jovem diretor traz seu toque artístico e temático para um universo de franquia. Ele goza de total liberdade e pede aos líderes externos que transformem completamente o design de chara habitual da franquia adaptá-la ao seu estilo gráfico superplano. As lutas, elementos centrais em tempos normais, são substituídas por jogos, cada um mais louco que o outro, mas igualmente perigoso. Acima de tudo, através do seu cenário, Hosoda acerta as contas. Uma metáfora para sua passagem fracassada com Ghibli, a história mostra o grupo de heróis se desintegrando aos poucos, culpando seu capitão por suas más decisões e deixando-o sozinho para enfrentar o teste final. Comunicação, amizade e ajuda mútua serão as palavras-chave que permitirão que a gangue supere isso. in extremis, num belo Édipo artístico.
Quando o filme foi lançado, a raiva dos fãs foi sem precedentes, indignados com o que Hosoda fez com sua franquia. Mas isso permitiu que ele fosse notado pelo estúdio Madhouse que produziria Toki wo Kakeru Shojo (A Travessia do Tempo) em 2006 e summer Wars em 2009, dois longas-metragens que consagraram Mamoru Hosoda como um importante realizador sempre com universos paralelos e a noção da passagem do tempo no centro das suas preocupações.
Em 2012, ele deixou o Madhouse, fundou seu próprio estúdio (Studio Chizu), como Miyazaki em sua época, e lançou Okami Kodomo no Ame para Yuki (As crianças lobo), uma comovente fábula humanista sobre uma mãe corajosa, tendo que criar sozinha filhos licantrópicos, com todas as desvantagens que isso acarreta. Com mais de 50 milhões de dólares de bilheteria e 4 milhões de ingressos no Japão, o longa-metragem se posiciona no top 20 dos maiores sucessos de animação, um círculo muito fechado até agora reservado a Ghibli e aos filmes de franquia. Acima de tudo, tende à universalidade procurada pelas obras de Miyazaki. Hosoda torna-se conhecido pelo seu nome como realizador, após apenas 3 filmes pessoais e mostra-se capaz de atrair espectadores graças a projetos originais, apreciados pelo público e pela crítica. Não seria surpreendente se Hosoda ganhasse, nos próximos anos, alguns prêmios internacionais de prestígio como o de Miyazaki.
Ele também passa a acompanhar o funcionamento do Studio Ghibli em termos de merchandising para garantir-lhe uma certa independência financeira. Hosoda até revelou durante a estreia mundial de Crianças lobo em Paris no ano passado, que estava pensando em convidar novos diretores para seu estúdio. Se isso não te lembra alguém...
Paradoxalmente, actualmente, o herdeiro espiritual e económico mais credível de Miyazaki é alguém que falhou dentro da sua própria estrutura. Talvez seja uma bênção disfarçada porque a liberdade que Hosoda tem agora é além da medida. Seus filmes muito pessoais provavelmente nunca teriam visto a luz do dia no Studio Ghibli. Mamoru Hosoda tem tudo para recuperar o nicho familiar que Ghibli reivindica, desde que, claro, encontre financiamento e patrocinadores consistentes com as suas ambições. O que não deveria representar um grande problema dado o progresso do homem e a renda que ele é capaz de gerar. Além disso, Toshio Suzuki sempre ficava de olho nele…
Daí até imaginar um retorno fanfarrão do pretendente caído dentro de Ghibli para lhe dar uma nova vida, há um passo que não daremos. Se parece óbvio que Hayao Miyazaki não pode ser substituído (ou mesmo talvez igualado) no panorama da animação japonesa, Mamoru Hosoda tem todas as cartas nas mãos para criar um lindo trono, que só se assemelhará a ele.
